Laboratoire HiCSA (Histoire culturelle et sociale de l'art) - EA 4100

From World Fair to National Trade Fair. Key Elements to an Expanded History of Exhibitions during World War I During World War I, trade fairs outnumbered world fairs. With the support of Chambers of commerce, trade fairs enlarged the prerogatives of private economic actors in the field of exhibitions. In this article, it is argued that the emergence of a trade fair pattern must be considered as a transnational phenomenon. Not only will the perspective of transnational exhibition politics concerns be underlined, but also the consequences of the war economy on it. In this perspective, this article will first look back on the main reasons which led to the decline of the world fair pattern on the eve of WWI. Secondly, this article will discuss why trade fairs have been considered as a key part of the renewing and “rationalizing” of commercial selling methods. Finally, we will discuss how they contributed to redefine and professionalize exhibition practices during the interwar period.

Durant la première moitié du XX e siècle, les expositions et les foires internationales constituent un terrain d'affrontement privilégié entre les différents acteurs de la politique d'exposition. Alors que les entreprises suisses cherchent à conquérir de nouvelles positions sur les marchés extérieurs, la manière de représenter la Suisse à l'étranger fait particulièrement débat. Aux traditionnelles constructions régionalistes se substituent des aménagements aux lignes épurées, conçus selon les principes fonctionnalistes de la « construction nouvelle ». Désigné dès le milieu des années 1930 sous le terme de « style suisse », ce nouveau visage de l'architecture d'exposition, simple et rationnel, rompt avec le vocabulaire formel du « style chalet », si souvent privilégié dans les expositions universelles du tournant du XX e siècle. Loin de constituer un phénomène isolé, ces reconfigurations témoignent d'un mouvement plus large de rationalisation de l'organisation commerciale. Dans le sillage de la Première Guerre mondiale, des publications spécialisées aux foires modernes, l'efficience visuelle devient en effet un instrument incontournable de la « lutte pour les débouchés » commerciaux. La genèse du « style suisse » d'exposition, conçue comme le fruit d'une collaboration étroite entre les acteurs de l'expansion commerciale et du mouvement de l'architecture moderne, est au coeur du présent ouvrage. Au-delà d'une histoire purement institutionnelle, ce livre apporte un éclairage inédit sur les enjeux économiques et artistiques de la politique d'exposition. Il prête une attention particulière au rôle de certains « passeurs » dans la formulation et la diffusion d'une culture visuelle de l'action commerciale. Claire-Lise Debluë a étudié l'histoire du cinéma, l'histoire et le français à l'Université de Lausanne (UNIL), puis, dès 2008, a travaillé en tant qu'assistante à la Faculté des lettres. Elle est actuellement chercheuse post-doctorante au sein du Centre des sciences historiques de la culture de l'UNIL pour le projet « Photographie et exposition en Suisse, 1920-1970 ». Cet ouvrage interdisciplinaire est issu de sa thèse, soutenue en 2014.

From the “Numerical Image” to Photography. Displaying statistical knowledge in the late 19th and early 20th centuries Over the last twenty years graphic visualisation has become a core tool for observation, analysis and communication in the field of data science. Far from being a purely contemporary phenomenon linked to the rise of digital cultures and humanities, the development of techniques of data visualisation was at the heart of a vast movement of reconfiguration of scientific and technical bodies of knowledge that began burgeoning as long ago as the 1870s. This article explores the influence of statistical thinking in the visual culture of the late 19th and early 20th centuries, with particular emphasis on the importance of the photographic model in the scholarly discourses guiding the application of the “graphic method” to statistics. It looks afresh at one of the main epistemological and technical issues raised by this kind of project: the “material expression of abstractions”. The article thus shows to what extent statistics in its visual forms and the repeated attempts to popularise its uses – via graphical charts, wall diagrams and statistical relief diagrams – were closely modelled on other reproducible visual media, including photography, typography and graphic design.

Après le numéro inaugural de Transbordeur sur l’histoire des musées de photographies documentaires, le présent numéro poursuit la démarche d’une histoire matérielle de la photographie, de ses usages et des formes de sa diffusion. Le dossier, au cœur de la revue, croise différents fils autour de la question de l’exposition de la photographie : la célébration du médium lui-même, depuis la divulgation du daguerréotype jusqu’aux premières présentations de la photographie numérique, en passant par la mise en scène de son histoire ; la photographie comme pédagogie par l’image, avec la statistique visuelle, l’astronomie savamment organisée par Aby Warburg, ou encore l’exposition de la Grèce par Fred Boissonnas au lendemain de la Grande Guerre. Les exhibitions d’architecture ou les expositions itinérantes du plan Marshall nous le montrent par ailleurs, la modernité de l’exposition par la photographie c’est de n’être plus ni temple ni sanctuaire, mais de circuler d’un lieu à un autre, d’un dispositif à l’autre. Et la photographie est encore là pour partager l’expérience de l’exposition au-delà des frontières et à travers le temps : les photographies stéréoscopiques prises à l’Exposition universelle de 1867 restituèrent aux millions de regardeurs l’immense bazar où le monde entier avait envoyé ses produits, tandis que des décennies de vues d’expositions artistiques sont aujourd’hui réinterrogées par des artistes, des commissaires et des chercheurs. Dans le Japon des années 1960-1970, auquel plusieurs textes de ce numéro sont consacrés, exposition et photographie ont poussé à l’extrême les utopies post-industrielles dans le sens d’une critique du médium photographique. Lorsque le dispositif se fait discours, que l’image se fait utopie, elle ouvre un nouveau champ des possibles aux multitudes rassemblées. Exposer, en définitive, c’est construire des publics. Ce deuxième numéro de Transbordeur regroupe une quinzaine d’articles composant un volume de 256 pages richement illustré. Il est divisé en quatre sections : un dossier thématique – Photographie et exposition – regroupant dix études ; une section « collections » où sont décrits et analysés succinctement des fonds photographiques ; une sélection d’articles libres (varia), faisant une large place aux traductions de textes de chercheurs internationaux ; une section « lectures », consacrée à des comptes rendus d’ouvrages.

L’année 1917 se signale par l’organisation d’une campagne de propagande patriote et économique de grande envergure prenant pour cible la « concurrence étrangère ». Directement issue du régime de l’économie de guerre, la Semaine suisse (Schweizer Woche) s’invite dans les écoles, auprès des soldats mobilisés et dans les foyers. Mais elle se déploie surtout dans les vitrines des détaillants, dont les aménagements célèbrent les produits de fabrication helvétique. Dans un contexte marqué par les difficultés d’approvisionnement et l’inflation persistante, la manifestation a non seulement pour vocation d’éduquer les consommateurs, mais aussi d’infléchir les représentations de l’économie dans l’espace public. Resituée dans une perspective transnationale, cette étude de cas s’interroge sur la popularisation des savoirs économiques en temps de guerre. Elle montre notamment qu’au terme du long xixe siècle qui fut le témoin de l’institutionnalisation et de la professionnalisation de l’économie, la rue s’imposa comme un lieu privilégié de diffusion et d’acquisition des connaissances durant la Première Guerre mondiale.

Over the course of the Sixteenth century, stucco became a widely used decorative technique in the palaces of the nobility in Rome. In its evocation of the art of antiquity stucco was a medium that enabled the expression of the kind of Romanitas sought after by these patrons, while at the same time ensuring lower costs and more rapid completion times than other artistic techniques. But it was in its use to set off mural painting by means of very sophisticated framing techniques that stucco revealed its full potential, exploiting the paradox between the sculptural imitation of nature and the imitation of marble as statuary ornament. The atelier of Daniele da Volterra offered some of the most innovative and original contributions in this category, drawing on the Michelangelesque repertory, and then questioning the limits of art and its power of communication vis-à-vis the beholder.