Nicolas Ballet

Culled from the private mostly unpublished archives of Genesis Breyer P-Orridge, the 1st volume called "Archives and Documents" presents 152 full colour pages of crucial early art terrorism like h/er little seen Nekrophile zine, reproduced here in full. Nekrophile magazine was conceived in 1968 by GPO as a sole and only issue. The collages, drawings, poems and texts gathered in it deal with the themes that will prevail in the iconography of Industrial Music.
This volume also displays ultra rare TG and PTV documents commented by GPO and that are not the same old exponents that a Google image search will yield.(no ticket stubs or tape cover designs here).

Edited by Nicolas Ballet with personal explanations and insights added by GPO, this volume is an essential visual document of Gen’s contributions to art and culture from the mid 1960s onwards with a strong emphasis on that most controversial and rewarding period of the late 70s and early 80s.

The second book (Prophecies & Messages) focuses on even more personal and magickal aspects that are the very heart of GPO’s life and art, it contains the reproduction of two magical and richly illustrated scrapbooks selected by Nicolas Ballet.
Unparalleled documents of a virtual spiritual journey into he/r occult practices, essential for students of contemporary esotericism.

These books are an indispensible gift for the industrial music fan, the connoisseur of 20th and 21st century art and the novice and experts of the byways of the occult, prepared with the full collaboration of and overseen by Genesis Breyer P-Orridge, it is futile to stress that this no less than a visual companion piece to the Psychick Bible.

Edited by Nicolas Ballet
Designed by Valnoir
Published by Timeless Ed.
2018 - France

Traduction en français du fanzine édité par RE/Search Publications dans le cadre de l'événement « Industrial Music and Experimental Films from San Francisco by Marian Wallace » (Les Voûtes, Paris, 27 mai 2016). Transcription des entretiens avec les différents artistes du documentaire Artists of the Industrial Scene, de Marian Wallace. Édition bilingue (anglais / français).

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A transcription of the film by the same name, this color-illustrated, 44-page zine takes you through 10 viewpoints of the “how” and “why” of noise music, from the late 1970s to now, with viewpoints and experiences from five different countries.

In English and French (translation by Nicolas Ballet). Interviews with 10 Industrial artists: Genesis P-Orridge (Throbbing Gristle/ Psychic TV), Mark Pauline (Survival Research Laboratories), Johanna Went, Jim Thirlwell (foetus), Ryoichi Kurokawa, Ilpo Väisänen and Mika Vainio (Pan Sonic), Peter Christopherson (Throbbing Gristle), Graeme Revell (SPK), Naut Humon (Rhythm & Noise), Gerald V. Casale (DEVO).

Ce projet de recherche post-doc se consacre à l’étude de l’oeuvre graphique du collectif américain Les Petites Bonbons, fondé en 1971 par les artistes Jerry Dreva et Robert Lambert. Conscients de la façon dont les identités sont façonnées par des systèmes d’autopromotion, Les Petites Bonbons s’approprient les accessoires de mode, coiffures, vêtements et autres objets alternatifs de la scène glitter rock d’Hollywood (version américaine du glam rock) dans des mises en scène publiques, de manière à exposer la construction même de la célébrité et de son mythe, tout en retournant sur elle-même la superficialité des médias de masse. L’analyse de ces objets détournés par Jerry Dreva et Robert Lambert au prisme de la culture matérielle permettra d’examiner la façon dont une sous-culture peut se transformer en une contre-culture, destinée à servir le propos d’un art activiste gay des années 1970 – les membres des Petites Bonbons étant à cette époque impliqués dans les activités de l’organisation Gay Liberation Front (GLF).

This paper examines the Black Metal network through the construction and distribution of cassettes and a specialized alternative press. The development of this network on the fringes of the usual artistic circuits transforms the cassette into a transgressive cultural object, which participates in a renewal of mail art and copy art.

This paper examines the leading role played by the American mechanical performance group Survival Research Laboratories (SRL) within the field of machine art during the late 1970s and early 1980s, and as organized under the headings of (a) destruction/survival; (b) the cyborg as a symbol of human/machine interpenetration; and (c) biomechanical sexuality. As a manifestation of the era’s “industrial” culture, moreover, the work of SRL artists Mark Pauline and Eric Werner was often conceived in collaboration with industrial musicians like Monte Cazazza and Graeme Revell, and all of whom shared a common interest in the same influences. One such influence was the novel Crash! by English author J. G. Ballard, and which in turn revealed the ultimate direction in which all of these artists sensed society to be heading: towards a world in which sex itself has fallen under the mechanical demiurge.

« Destruction, ruine et trauma dans la culture visuelle des musiques industrielles », dans Cyril Barde, Sylvia Chassaing, Hermeline Pernoud (éds.), Fin-de-siècle : fin de l’art ? Destins de l’art dans les discours de la fin des XIX e et XXe siècles, Paris, Presses Sorbonne Nouvelle, 2018, p. 87-98.

Le courant des musiques industrielles révèle, dès le milieu des années 1970 et tout au long des années 1980, une culture visuelle globale croisant différents médias dans un dialogue étroit avec l’héritage de la modernité. Certains groupes industriels mettent en scène une esthétique fascisante dans leurs œuvres, prenant comme repère l’histoire des régimes autoritaires, en particulier celui du Troisième Reich, afin d’interroger la façon dont les mass media de leur époque incarnent une forme de totalitarisme dissimulé. La diffusion de ces images auprès d’un public éclectique permet cependant à une scène politique d’extrême droite d’instrumentaliser ce mouvement artistique.

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England in the 1970s and the 1980s witnessed the emergence of industrial music bands involved in a counterculture that operated as a platform of exchange between the arts. Some industrial musicians became aware of the rise of mass media and of the new kinds of power that followed an ability to manipulate crowds. These artists used a subversive iconography in their visual productions in order to reveal a form of implicit totalitarianism generated by the power of information. However, the diffusion of these images among a large audience are instrumentalized by some right-wing parties and nationalists trends.

La culture visuelle des musiques industrielles révèle tout au long des années 1980 un phénomène artistique global, croisant différents supports artistiques. Certaines figures emblématiques de cette scène prennent conscience de l’importance du rôle des médias et de la nouvelle forme de pouvoir qui les accompagne dans la capacité à manipuler les masses. La photographie apparaît dans les productions des artistes industriels sous de nombreuses formes, présentant une mise à mort de la société occidentale, dans laquelle le corps humain est confronté aux effets délétères de la technologie sur les sens. La conception d’affiches, de fanzines et de magazines autoédités et à périodicité variable, interroge une pratique foisonnante du copy art et du mail art, qui constitue et diffuse une esthétique de la dystopie, révélant les aspects les plus conflictuels de l’ère postindustrielle propre à cette décennie.

L’Angleterre des années 1970 assiste à la naissance de groupes
de musique industrielle qui participent à l’émergence d’une
contre-culture opérant comme une plateforme d’échange entre
les arts. Ce phénomène, qui se comprend notamment dans le
contexte du dialogue qu’il entretient avec l’héritage de la modernité,
révèle une scène artistique polymorphe. Le bruit est investi
par les artistes industriels à travers des enjeux visuels et sonores
singuliers. Les tactiques de choc employées par la formation
australienne SPK révèlent un détournement du domaine de la
psychiatrie. Il s’agit notamment de montrer comment ce groupe
« fait subir à l’image ce que le bruit fait subir au son ».

Avec son projet Cent Ans de Solitude engagé dans le milieu des années 1980, l’artiste français Jean-Yves Millet détourne des objets dans ses compositions et performances pour reproduire les sonorités que l’on retrouve dans le monde de l’industrie : ressorts, rouages, boulons, barres de fer, tiges filetées, tôles, carrelage, poutrelles métalliques, entre autres sont autant d’éléments amplifiés sur scène par des micros capteur conçus pour le musicien, puis frappés ou frottés pour constituer son propre environnement visuel et acoustique.

Les références au constructivisme, ainsi qu’au monde post-industriel et contemporain viennent enrichir l’esthétique de Cent Ans de Solitude, composé notamment d’images de films de réalisateurs réputés comme Sergueï Eisenstein ou Dziga Vertov, ou bien oubliés comme Carl Ludwig Achaz-Duisberg, mais aussi de documentaires, de photographies, de rushes de reportages ou de prises personnelles.

De l’émergence d’une scène expérimentale en France au début des années 1980, en passant par le développement d’une presse alternative et de son label indépendant, Jean-Yves Millet aborde dans cet entretien son rapport à la création, à la scène et à la valorisation d’un mouvement industriel en marge.

Sixième séance du séminaire d’Athamas – Art et Antipsychiatrie : « Rencontre avec Graeme Revell autour du groupe de musique industrielle SPK et du Sozialistisches PatientenKollektiv »

En 1978, l’artiste néo-zélandais Graeme Revell crée le projet de musique industrielle SPK en prenant comme repère théorique les concepts du collectif allemand marxiste radical dénommé Sozialistisches PatientenKollektiv (S.P.K.), groupe convaincu que le capitalisme était en soi créateur de maladies mentales et dont les idées se développent dans l’ouvrage Faire de la maladie une arme (1972). La formation industrielle prend pour cible les expériences cliniques menées par certains établissements spécialisés (électrochocs, implants cérébraux, privation sensorielle) et condamne ainsi, sans équivoque, les formes répressives des conditions de vie des patients en milieu psychiatrique par l’emploi du choc en image. En témoigne la publication des livrets Dokument One et Dokument Two, qui combinent un large choix d’images morbides, de patients souffrants de malformations physiques, de schémas scientifiques, d’expériences psychiatriques et d’images pornographiques recyclées, pour tester les seuils de tolérance du sujet face à l’image insoutenable. Le sentiment de répulsion agit alors sur le mode d’un memento mori destiné à parer la façon dont les médias occultent toutes représentations mortuaires pour ne privilégier que la promotion du corps en bonne santé. Le groupe SPK s’efforce ici, par des stratégies de repoussoir, de se confronter à ce que Jean Baudrillard nomme le « vertige de la mort désaffectée » (L’Échange symbolique et la mort, 1976) : référence largement étudiée et exploitée par Graeme Revell, infirmier de secteur psychiatrique dans un hôpital public de Sydney durant les années 1970. Aujourd’hui compositeur de musique de films (The Crow, Strange Days, Sin City, Planet Terror…), Graeme Revell abordera tout au long de cette présentation la façon dont il a inscrit la pensée de l’antipsychiatrie dans une pratique artistique multimédia qui a des résonances très actuelles dans la création contemporaine, autour notamment d’une circulation accélérée entre les médias.

Séance en anglais

Intervenants :

Nicolas Ballet (historien de l’art, université Paris 1 Panthéon-Sorbonne).
Graeme Revell (artiste, compositeur).

À propos du séminaire « INHALab. Association ATHAMAS » :

Créée en 2018, l’association ATHAMAS rassemble des chercheurs en histoire de l’art autour d’un projet visant à interroger les pratiques artistiques expérimentales de la deuxième moitié du XXe siècle à nos jours, et les théories de l’antipsychiatrie qui apparaissent et se développent au cours des années 1950 à 1970. Son ambition est d’initier une plateforme interdisciplinaire de recherche destinée à fédérer des initiatives engagées dans le domaine d’une porosité entre productions visuelles et antipsychiatrie.

Membres fondateurs :

- Nicolas Ballet (docteur en histoire de l’art contemporain, Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne)
- Aurore Buffetault (doctorante en histoire de l’art contemporain, Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne, chargée d’études et de recherche, INHA)
- Hélène Gheysens (doctorante en histoire de l’art contemporain, Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne)
- Sandrine Meats(doctorante en histoire de l’art contemporain, Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne).

Comité scientifique :

- Alfredo Aracil (chercheur et commissaire d’exposition indépendant, en résidence à Buenos Aires)
- Marc Bellini (enseignant, École nationale supérieure des Arts Décoratifs de Paris)
- Élise Grandgeorge (doctorante, laboratoire HAR, Université Paris Nanterre)
- Bénédicte Maselli (enseignante, Classe préparatoire de l’École nationale supérieure des beaux-arts de Lyon).
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Informations pratiques :

5 juin 2019 - 18h - 20h
Galerie Colbert, auditorium
Institut national d'histoire de l'art
6, rue des Petits-Champs ou 2, rue Vivienne
75002 Paris

Entrée libre

Source : https://www.inha.fr/fr/agenda/parcourir-par-annee/en-2019/juin-2019/athamas-rencontre-avec-graeme-revell.html

« "Bleeding Images". L’héritage de Georges Bataille dans les musiques industrielles », conférence organisée par Vincent Capes (ANIMA), Le ZO, Nîmes, 13 mars 2018.

Le courant des musiques industrielles révèle, dès le milieu des années 1970 et tout au long des années 1980, une culture visuelle globale croisant différents médias (graphisme, film, performance, vidéo), dans un dialogue étroit avec l’héritage de la modernité et sous l’emprise croissante des technologies. Les expérimentations sonores déployées par les principaux acteurs du mouvement – élaboration de synthétiseurs, manipulation et transformation de sons enregistrés issus de bandes audio, recyclées ou conçues par les artistes – s’accompagnent de productions visuelles radicales. Théorisé par le groupe Throbbing Gristle en 1977 à partir du slogan inventé par Monte Cazazza « Industrial Music for Industrial People », l’esprit industriel se manifeste sous la forme de « tactiques de choc », destinées à tester les seuils de tolérance affective du spectateur face à des images insoutenables. Il s’agira d’aborder, tout au long de cette présentation, la façon dont ces modes opératoires se placent dans une tradition interprétative de l’horreur visuelle, étudiée par Georges Bataille à travers le lingchi, ou supplice des « cent morceaux ».

« "War of Nerves". Déprogrammation bioélectronique des musiques industrielles », séminaire « Les années 1980 », Benoît Buquet (Université François Rabelais de Tours, InTRu – Interactions, transferts, ruptures artistiques et culturels), Sophie Cras (Université Paris 1, Hicsa) et Emmanuel Guy (Parsons Paris The New School, Art & Design History & Theory program), Parsons Paris The New School, 24 avril 2017.

Europe in the 1980s witnessed the emergence of industrial music bands involved in a counterculture that operated as a platform of exchange between the arts. The visual productions of industrial musicians, who were initially performers, revealed a global artistic phenomenon operating at the intersection of a multitude of media (film, music, performance). The sound works of these artists were supplemented by a rich array of visual productions: a regular practice of mail art and collage allowed industrial artists to design album covers, flyers, and magazines as a means of spreading their music to a wider audience.

The term “industrial” characterized the work of artists who, through visual and sound issues, tried to develop a critique of industry standardization and to highlight the most contentious aspects of the European post-industrial societies in a Cold War context. Some industrial artists such as the bands Autopsia, Laibach, Maurizio Bianchi, and Throbbing Gristle, working on the fringe of mainstream culture, became aware of the rise of mass media and of the new kind of power that followed an ability to manipulate crowds. These artists used a subversive iconography in their visual productions in order to reveal a form of implicit totalitarianism generated by the power of information, which was identified by the biopolitics concept of Michel Foucault.

Using several European industrial bands as a case study, this paper examines the visual productions of industrial culture, revealing how these artists explored the thematic of totalitarianism across a new kind of resistance in the 1980s.

La culture visuelle des musiques industrielles fonctionne dès le milieu des années 1970 comme un phénomène artistique global croisant différents supports (son, graphisme, performance, vidéo) et caractérise le travail d’artistes qui tentent de mettre en avant les aspects les plus conflictuels de l’ère postindustrielle de cette époque. Certaines figures majeures de cette scène prennent conscience de l’importance du rôle des médias et de la nouvelle forme de pouvoir qui les accompagne dans la capacité à manipuler les masses. Le concept de Révolution électronique forgé par William S. Burroughs est un repère pour ces artistes industriels, qui annoncent durant les années 1970 et 1980 une « guerre de l’information » contre la manipulation des médias. L’utilisation du son comme arme, le détournement d’outils industriels en instruments de musique, les renvois perpétuels à une actualité scientifique militaire de l’époque et au domaine de la psychiatrie - présentés sous la forme de collages -, sont autant d’éléments qui démontrent l’intérêt des artistes industriels pour les thématiques développées par Burroughs. L’attention portée au contrôle mental, à la désinformation et au langage comme « agent de contrôle », marque ici une continuité du projet de la Révolution électronique. Celle-ci se matérialise par une pratique foisonnante du copy art, du mail art et de l’expérimentation musicale, rendue possible grâce à l’accessibilité croissante de nouvelles technologies. Le propos de cette communication interroge l’héritage des concepts de Burroughs dans les pratiques artistiques des principaux acteurs de la contre-culture industrielle (Coil, Étant Donnés, Le Syndicat, Minamata, Psychic TV, SPK, Throbbing Gristle). Il s’agira d’aborder les intentions de ces artistes, en quête d’une forme de déprogrammation totale de l’individu. Les solutions des artistes industriels constituent une esthétique de la dystopie, laquelle vise à un réenchantement du réel des sociétés postindustrielles de cette époque.

Intervention dans le cadre de l'Université d’été de la Bibliothèque Kandinsky (« Les sources au travail. Bricolages et contre-cultures à l’ère de la reproductibilité technique, 1950-1970 »), organisée par Mica Gherghescu, Didier Schulmann, Enrico Camporesi et Philippe-Alain Michaud, Centre Pompidou, Paris, 23 juin-2 juillet 2016.

Intervention dans le cadre des journées d’études « L’Émergence de l’art vidéo en Europe : historiographie, théorie, sources et archives » organisées par Larisa Dryansky (INHA) et Alain Carou (BnF), BnF, site François-Mitterrand / Institut national d’histoire de l’art, 25-26 mai 2016.

Intervention dans le cadre du colloque « Fin-de-siècle : fin de l’art ? Destins de l’art dans les discours et les pratiques esthétiques de la fin des XIXe et XXe siècles » organisé par Cyril Barde, Sylvia Chassaing et Hermeline Pernoud (Centre de Recherches sur les Poétiques du XIXe / Laboratoire « Littérature, Histoires, Esthétique »), Université Paris 8, Saint-Denis, 20-21 mai 2016.

La culture visuelle des musiques industrielles révèle dès le milieu des années 1970 et tout au long des années 1980 un phénomène artistique global, croisant différents supports artistiques (son, graphisme, performance, photographie, vidéo). Fascinés par le rôle des médias et la nouvelle forme de pouvoir qui les accompagne dans la capacité à manipuler les masses, les artistes industriels mobilisent la photographie sous de nombreuses formes (clichés promotionnels, collages, photomontages, etc.), souvent diffusée par une pratique foisonnante du copy art et du mail art. Empreint d’une esthétique de la dystopie, ce mouvement dévoile les aspects les plus conflictuels de l’ère postindustrielle des années 1980.

Intervention dans le cadre de la journée d’études « Eighties incomprises. Art et société dans les années 1980 » organisée par Profession Photographie (Marie Auger, Clara Bastid, Max Bonhomme) et par le Cabinet de la photographie du Centre Pompidou (Karolina Ziebinska-Lewandowska), Centre Pompidou, Paris, 11 mai 2016.

L’Angleterre des années 1970 assiste à la naissance de groupes de musique industrielle qui participent à l’émergence d’un phénomène artistique global croisant différents supports (son, graphisme, performance, vidéo). Certaines figures majeures de cette scène prennent conscience de l’importance du rôle des médias et de la nouvelle forme de pouvoir qui les accompagne dans la capacité à manipuler les masses. L’exposition « PERSUASION. Musique industrielle et contrôle mental (1975-1995) » met en exergue les recherches des artistes industriels dont les travaux révèlent un intérêt croissant pour la thématique du conditionnement et de la manipulation mentale. La conception d’affiches, de fanzines, de pochettes de disque et de vidéos autour du contrôle mental sont autant d’éléments qui témoignent d’une culture visuelle foisonnante, présentée ici en trois séquences regroupées autour d’intitulés empruntés à certaines productions emblématiques de cette mouvance.Le conditionnement sonore et visuel (How to Operate Your Brain), les expériences chirurgicales en milieu psychiatrique (Suture Obsession) ainsi que la guerre acoustique des musiques industrielles (Nothing Short of a Total War) établissent un lien avec les expérimentations scientifiques développées à cette époque dans les laboratoires de psychologie expérimentale et dans la recherche militaire par de nombreux renvois, réemplois et citations de textes et d’images. Le bulletin Industrial News de Throbbing Gristle ainsi que les publications RE/Search sont à cet effet exemplaires des stratégies de détournement propres à l’esthétique du genre industriel, notamment par la technique du collage que l’on retrouve dans de nombreuses oeuvres de Cabaret Voltaire, Clock DVA, Nocturnal Emissions, SPK, T.A.G.C., Throbbing Gristle et Zorïn.

Intervention dans le cadre de la journée d’études « Listen! Son et conditionnement mental » organisée par le groupe de recherche MIND CONTROL (Alexandra Midal, Pascal Rousseau, Jelena Martinovic, Nicolas Brulhart), Haute école d'art et de design (HEAD), Genève, 2 avril 2015.

L'histoire des musiques industrielles, qui se comprend notamment dans le contexte du dialogue que ces artistes entretiennent avec l’héritage de la modernité, révèle une scène artistique polymorphe. Le bruit est investi par les artistes industriels à travers des enjeux visuels et sonores singuliers. Cette communication propose d’étudier les tactiques de choc employées par la formation SPK qui s’applique à détourner le domaine de la psychiatrie. Il s’agit notamment de montrer comment ce groupe fait subir à l’image ce que le bruit fait subir au son.

Intervention dans le cadre du colloque « Bruits » organisé par l’Institut ACTE (Sorbonne Paris 1 & CNRS) et par l’ENS Louis-Lumière, École nationale supérieure Louis-Lumière, Cité du Cinéma, Saint-Denis, 4 décembre 2014.

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The visual productions of industrial musicians, who were initially performers, revealed a global artistic phenomenon operating at the intersection of a multitude of media. Noise is invested by industrial artists through singular visual and sound works. This paper examines the shock tactics employed by the band SPK in the field of psychiatry. Here, the point is to study how this band affects the visual arts, the same way noise affects the sound.

England in the 1970s witnessed the emergence of industrial music bands involved in a counterculture that operated as a platform of exchange between the arts. The visual productions of industrial musicians, who were initially performers, revealed a global artistic phenomenon operating at the intersection of a multitude of media. The sound works of these artists were supplemented by a rich array of visual productions: a regular practice of mail art and collage allowed industrial artists to design fanzines as a means of spreading their music to a wider audience.

Created by the band Throbbing Gristle, the independent label Industrial Records was an example of this do-it-yourself strategy: in the late 1970s, for example, they published the fanzine Industrial News, which offered articles on military scientific research conducted during the Cold War. Composed by many photocopied collages, these articles introduced a new generation of artists who remained on the margins of the dominant cultural institutions (museums, galleries, etc.). Using Industrial News as a case study, this paper examines the visual production of this industrial counterculture, revealing how these artists explored the thematic of mind control across media.

Communication donnée à l’invitation de Rüdiger Hoyer.

L’Angleterre des années 1970 assiste à la naissance de groupes de musique industrielle qui participent à l’émergence d’une contre-culture opérant comme une plateforme d’échange entre les arts. Les productions visuelles des musiciens industriels, qui sont dans un premier temps des performers, révèlent un phénomène artistique global qui opère au croisement d’une multitude de médiums.

Ce phénomène se diffuse rapidement au Japon grâce aux travaux de l’artiste Akita Masami qui entretient, dès 1979, de nombreuses correspondances avec les figures emblématiques de cette scène. Les collages de l’artiste japonais ont pour ambition de diffuser à l’étranger les productions sonores de son projet Merzbow et révèlent une pratique singulière du Xerox art et du mail art. Les artistes industriels entretiennent un dialogue avec l’héritage de la modernité en détournant les œuvres des futuristes et des dadaïstes à l’instar de Merzbow qui se réfère à l’œuvre habitable de Kurt Schwitters constituée d'objets trouvés, le Merzbau. La comparaison des productions visuelles d’Akita Masami avec celles des artistes industriels européens se comprend également dans l’étude de l’avant-garde japonaise qui influence les images de Merzbow. Le réseau parallèle du groupe Mavo ainsi que les recherches de Gutai et du groupe Neo-Dada Organizers marquent un contraste avec les références propres à la culture visuelle industrielle occidentale. Se pencher sur les images d’Akita Masami, qui correspondait avec Shimamoto Shōzō, est donc une invitation à reconsidérer l’avant-garde japonaise.

Cette communication se propose d'étudier ces échanges artistiques qui révèlent, dans des contextes différents (Europe et Japon), des œuvres en marge des circuits institutionnels de l’art à travers des stratégies de recyclages des outils médiatiques et d’une presse pornographique. Ces permutations permettent de considérer des appropriations entre deux cultures différentes, qui présentent ici des thématiques similaires, à travers le réseau international d’une contre-culture industrielle.

Intervention dans le cadre de la XIIème édition de l’École de Printemps organisée par le RIFHA en partenariat avec l'INHA, Tokyo, 9-13 juin 2014.

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The 1970s England saw the birth of industrial music bands involved in the emergence of a counterculture which operates as a platform of exchange between the arts. The visual productions of industrial musicians, who are initially performers, reveal a global artistic phenomenon that operates at the intersection of a multitude of mediums.

This phenomenon is spreading quickly in Japan through the work of the Japanese artist Akita Masami who maintains, since 1979, many correspondences with the emblematic figures of the industrial scene. Collages by Akita Masami aim to spread abroad his sound productions under the name of Merzbow, and reveal a singular practice of Xerox art and mail art. Industrial artists maintain a dialogue with the legacy of modernity by hijacking the works of the Dadaists and the Futurists artists, like Merzbow who refers to the work of Kurt Schwitters, Merzbau, which is composed with found objects. Comparing Akita Masami’s visual productions with the works of European industrial artists also includes studying the influences of Japanese avant-garde on the Merzbow’s images. The radical Japanese art group Mavo and the researches of Gutai and Neo-Dada Organizers define a contrast with references which are specific to the Western industrial visual culture. Studying the images of Akita Masami, who corresponded with Shimamoto Shozo, is an invitation to reconsider the Japanese avant-garde.

This paper will examine these artistic exchanges that reveal, in different contexts (Europe and Japan), visual works which participate in some recycling strategies of media tools and of pornographic media. These permutations allow to consider the appropriations between two different cultures which contain similar themes, through the international network of an industrial counterculture.

En 1972, l'exposition « Fluxshoe » parcourt le Royaume-Uni et donne l'occasion à certains artistes émergents de faire connaître leurs travaux. C'est le cas du collectif de performers COUM Transmissions créé en 1969 par l'artiste Genesis P-Orridge. Cette conférence se propose d'étudier les liens entre divers mouvements artistiques (actionnisme viennois, dadaïsme, Fluxus) et les performances de la troupe britannique, dont il reste aujourd'hui peu de traces.

Intervention dans le cadre du Festival de l’histoire de l’art, Château de Fontainebleau, 2 juin 2013.

Intervention dans le cadre de la journée d’études « Mind Control. Art et techniques de conditionnement mental dans l’art expérimental des années 1960/1970 » organisée par le groupe de recherche MIND CONTROL (Alexandra Midal, Pascal Rousseau, Jelena Martinovic, Nicolas Brulhart), Institut national d’histoire de l’art, Paris, 24 octobre 2012.

« AntipsychiARTrie. Des liens entre art et antipsychiatrie de 1960 à nos jours »
Exposition, 16 mai-29 juin 2019, Institut national d'histoire de l'art (INHA), Paris.

Dans le cadre de sa résidence INHALab, l'association Athamas inaugure le 16 mai 2019 son exposition consacrée aux liens entre art et antipsychiatrie de 1960 à nos jours. Sans nier l’importance des productions de l’art brut et des pratiques de l’art-thérapie, l’exposition se concentre sur la manière dont les artistes se sont appropriés les propositions théoriques et les pratiques révolutionnaires de ces nouvelles psychiatries. Un dispositif chronologique autour de moments clés a été privilégié afin de rendre compte de la complexité et de la profusion des relations entre les contestations psychiatriques et les productions artistiques et culturelles.

Le public découvrira une riche sélection de documents d’archives (La Nomenklatur, Nocturnal Emissions, SPK, T.A.G.C.) en dialogue avec des œuvres reproduites de Carolee Schneemann, Stuart Brisley, Robert Morris, Lygia Clark, Dora García, COUM Transmissions pour ne citer que quelques exemples. L’occasion de découvrir également une projection des œuvres de Mary Barnes très rarement montrées en France et sélectionnées pour l’occasion par son ancien thérapeute Joe Berke.

Commissariat :

- Nicolas Ballet (docteur en histoire de l’art contemporain, Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne)
- Aurore Buffetault (doctorante en histoire de l’art contemporain, Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne, chargée d’études et de recherche, INHA)
- Hélène Gheysens (doctorante en histoire de l’art contemporain, Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne)
- Sandrine Meats(doctorante en histoire de l’art contemporain, Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne)

Dans le cadre de l'exposition :

- Performances le 15 mai 2019, INHA, Rotonde et salle Roberto Longhi, à partir de 18h avec Joël Hubaut, Pascale Ciapp, Rémi Voche et Natalia Jaime-Corte.
- Projections-rencontres 27 mai, INHA, salle Roberto Longhi, 18h-20h : 'Un petit peuple qui va là-bas' (2018), 60’, réalisation Catherine Vallon, en présence de Catherine Vallon.
- Projection le 3 juin, INHA, salle Roberto Longhi, 18h-20h  : 'Hors les Murs 3' (1985), 51’, réalisation Abraham Ségal, en présence d’Abraham Ségal.
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Informations pratiques

Galerie Colbert, salle Roberto Longhi
Institut national d’histoire de l’art
2, rue Vivienne - 75002 Paris
Accès : 6, rue des Petits-Champs
Métro : Bourse ou Palais Royal-Musée du Louvre

Du 16 mai au 29 juin 2019
Du mardi au samedi de 10h à 20h
Entrée libre

Source : https://www.inha.fr/fr/ressources/expositions/en-2019/antipsychiartrie.html

"Persuasion. Industrial Music and Mind Control (1975-1995)"
Exposition, avril 2015, HEAD - Genève

L’Angleterre des années 1970 assiste à la naissance de groupes de musique industrielle qui participent à l’émergence d’un phénomène artistique global croisant différents supports (son, graphisme, performance, vidéo). Certaines figures majeures de cette scène prennent conscience de l’importance du rôle des médias et de la nouvelle forme de pouvoir qui les accompagne dans la capacité à manipuler les masses. L’exposition « PERSUASION. Musique industrielle et contrôle mental (1975-1995) » met en exergue les recherches des artistes industriels dont les travaux révèlent un intérêt croissant pour la thématique du conditionnement et de la manipulation mentale. La conception d’affiches, de fanzines, de pochettes de disque et de vidéos autour du contrôle mental sont autant d’éléments qui témoignent d’une culture visuelle foisonnante, présentée ici en trois séquences regroupées autour d’intitulés empruntés à certaines productions emblématiques de cette mouvance. Le conditionnement sonore et visuel (How to Operate Your Brain), les expériences chirurgicales en milieu psychiatrique (Suture Obsession) ainsi que la guerre acoustique des musiques industrielles (Nothing Short of a Total War) établissent un lien avec les expérimentations scientifiques développées à cette époque dans les laboratoires de psychologie expérimentale et dans la recherche militaire par de nombreux renvois, réemplois et citations de textes et d’images. Le bulletin Industrial News de Throbbing Gristle ainsi que les publications RE/Search sont à cet effet exemplaires des stratégies de détournement propres à l’esthétique du genre industriel, notamment par la technique du collage que l’on retrouve dans de nombreuses œuvres de Cabaret Voltaire, Clock DVA, Le Syndicat, Nocturnal Emissions, SPK, T.A.G.C., Throbbing Gristle et Zorïn.

Commissaire : Nicolas Ballet, doctorant en histoire de l’art contemporain (Université Paris 1 Panthéon Sorbonne), chargé d’études et de recherche (INHA, Paris)

Dans le cadre du projet de recherche Mind Control, Radical experiments in art and psychology (Alexandra Midal (cheffe de projet), Jelena Martinovic et Nicolas Brulhart (chercheurs FNS), Pascal Rousseau (chercheur associé))

Remerciements : Zorïn, Jean-Pierre Turmel, la Fanzinothèque de Poitiers, Jean-Pierre Greff, Anne-Catherine Sutermeister, Lauren Huret, Timothé Deschamps, Felippe Marçal De Oliveira, Claude Picard, Sandra Mudronja, Claudia Lanz, Claudio Cicchini, Marie Gavard, Toky Rabemanantsoa, Nathalie Ferrando, Justine Moeckli, Katrin Kettenacker et à l’ensemble des artistes dont les oeuvres sont présentées dans l’exposition (notamment Adi Newton, Nigel Ayers, Marc Caro, Cosey Fanni Tutti, Christo Gendre, Pascal Jeannet, Jean-Pierre Jeunet, Pierre Jolivet, Arturo Lanz, Jean-Yves Millet, Ruelgo, Tiburce, V. Vale)

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"Persuasion: Industrial Music and Mind Control (1975-1995)"
Exhibition, April 2015, HEAD - Geneva

The England in the 1970s witnessed the emergence of industrial music bands involved in a counterculture that operated as a platform of exchange between the arts. The industrial movement committed an elaborated thinking between graphics, music, performance and video art in an experimental framework and under the increasing influence of technology. Some emblematic artists of this movement were aware of the important role of the media and the new form of power that went along with the ability to manipulate mobs.

The exhibition "Persuasion: Industrial music and mind control (1975-1995)" highlights the visual productions of industrial artists that reveal a growing interest in mind control. A regular practice of mail art and collage allowed industrial artists to design album covers, fanzines and posters as a means of spreading their music to a wider audience. These artistic media reflect today a prolific visual culture with an interest for mind control. This phenomenon is presented here in three sequences identified by the titles of some songs or videos. The sound and image in mental conditioning (How to Operate Your Brain), the surgical experience in psychiatry (Suture Obsession) and the sonic warfare of industrial music (Nothing Short of a Total War) establish a link with science from the military in the 1960s and 1970s. Referrals, perpetual détournements and quotes that feed industrial culture from military researches are manifested by the development of a unique underground press. The Industrial News magazine by Throbbing Gristle and the RE/Search publications give examples of these strategies that reveal the aesthetic of industrial music.

The works of Autopsia, Cabaret Voltaire, Clock DVA, Club Moral, Esplendor Geométrico, La NomenKlaTur, Le Syndicat, M.B., Maeror Tri, Minamata, Nocturnal Emissions, Nurse With Wound, Pacific 231, Psychic TV, RE/Search, SPK, The Anti-Group, Sordide Sentimental, The Haters, The Hafler Trio, Throbbing Gristle, Urbain Autopsy, Zorïn are exposed in this exhibition.

Curator: Nicolas Ballet, PhD student in art history (Université Paris 1 Panthéon Sorbonne / INHA)

In the framework of the research project Mind Control, Radical experiments in art and psychology (Alexandra Midal, Jelena Martinovic, Nicolas Brulhart, Pascal Rousseau)

Special thanks to Zorïn, Jean-Pierre Turmel, la Fanzinothèque de Poitiers, Jean-Pierre Greff, Anne-Catherine Sutermeister, Lauren Huret, Timothé Deschamps, Felippe Marçal De Oliveira, Claude Picard, Sandra Mudronja, Claudia Lanz, Claudio Cicchini, Marie Gavard, Toky Rabemanantsoa, Nathalie Ferrando, Justine Moeckli, Katrin Kettenacker, Adi Newton, Nigel Ayers, Marc Caro, Cosey Fanni Tutti, Christo Gendre, Pascal Jeannet, Jean-Pierre Jeunet, Pierre Jolivet, Arturo Lanz, Jean-Yves Millet, Ruelgo, Tiburce, V. Vale.

Créée en 2018, l’association ATHAMAS rassemble des chercheurs en histoire de l’art autour d’un projet visant à interroger les pratiques artistiques expérimentales de la deuxième moitié du XXe siècle à nos jours, et les théories de l’antipsychiatrie qui apparaissent et se développent au cours des années 1950 à 1970. Son ambition est d’initier une plateforme interdisciplinaire de recherche destinée à fédérer des initiatives engagées dans le domaine d’une porosité entre productions visuelles et antipsychiatrie.

Courant protestataire de pensée et de pratiques aux allures protéiformes, l’antipsychiatrie s’inscrit dans un contexte global de contestation radicale, si bien que sa portée dépasse le domaine strictement médical pour investir les champs du social, du politique et de l’artistique. Étayée par une abondante production théorique et de nombreux débats publics, la prégnance de la pensée antipsychiatrique au sein des contre-cultures des années 1960 et 1970, en particulier, est une référence presque incontournable des études historiques et critiques sur la période.Le nombre conséquent d’artistes de différentes générations qui soulignent l’importance de ce courant pour leur propre pratique créatrice (de Robert Morris à Carolee Schneemann, Jean-Jacques Lebel ou encore Luke Fowler) confirme la place prépondérante dans le champ culturel de ce corpus théorique et des projets socio-politiques qu’il a pu porter.

Au cours de ses quatre mois de résidence (mars à juin 2019), ATHAMAS propose une triple occupation de la salle Roberto Longhi : des projections de vidéos et de films, des ateliers et une exposition AntipsychiARTrie. Des liens entre art et antipsychiatrie de 1960 à nos jours.Un cycle de séminaires et d’ateliers explorent de grandes lignes de réflexion, avec la participation de chercheurs internationaux et d’artistes (Dora García, Mathieu Kleyebe Abonnenc, Agnès Geoffray, Florencia Rodríguez Giles). La galerie Colbert et sa Rotonde sont animées de lectures et de propositions performatives, le hall de l’INHA accueille une installation sonore (SPK, T.A.G.C….) et la salle Labrouste met à disposition une sélection bibliographique qui étend les perspectives de cette programmation.

Membres de l'association :

- Nicolas Ballet (docteur, Paris 1)
- Aurore Buffetault (doctorante, Paris 1/INHA)
- Hélène Gheysens (doctorante,Paris 1)
- Sandrine Meats (doctorante, Paris 1)

L'association est également composée d’un comité scientifique international.
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Séminaire :

15 mars 2019 – Séance introductive
Oisín Wall (historien et commissaire, université de Dublin), Camille Veit (docteure en psychologie et psychologue clinicienne, université Côte d’azur, université de Strasbourg) et Alfredo Aracil (chercheur et commissaire indépendant) : Antipsychiatrie, psychothérapie institutionnelle, psichiatria democratica et psychiatrie destructive : penser la pluralité des contestations psychiatriques.
Séance en anglais et en français

3 avril 2019
James Kennaway (historien de la médecine, université de Durham), Michael Goddard (maître de conférences en film, télévision et image en mouvement, université de Westminster) : Son et environnement psychiatrique
Séance en anglais

8 avril 2019
Joseph Berke (psychanalyste et psychothérapeute), Adrian Chapman (professeur auxilliaire, université d’État de Floride à Londres) : Contre-cultures et psychiatrie radicale en Angleterre : autour de Kingsley Hall et Mary Barnes
Séance en anglais

16 mai 2019
Émilie Bouvard (historienne de l’art et conservatrice du patrimoine) eAgnès Geoffray (artiste plasticienne) et Angès Thurnauer (artiste) : Le genre au miroir de l’antipsychiatrie

23 mai 2019
Mathieu Kleyebe Abonnenc (artiste) : L’antipsychiatrie dans l’héritage de Frantz Fanon. Rencontre avec Mathieu Kleyebe Abonnenc

5 juin 2019
Graeme Revell (artiste, compositeur) et Nicolas Ballet (historien de l’art, université Paris 1 Panthéon-Sorbonne) : Rencontre avec Graeme Revell autour du groupe de musique industrielle SPK et du Collectif socialiste de patients [Sozialistisches PatientenKollektiv]
séance en anglais

13 juin 2019
Soirée projection : Contestations psychiatriques à la télévision. Soirée de projection d'archives avec Catherine Gonnard, chargée de mission documentation à l'INA, sur le thème « Contestations psychiatriques à la télévision ».

14 juin 2019
Catherine Perret (professeure des universités, université Paris 8 Vincennes-Saint-Denis) et Bénédicte Maselli (historienne de l’art, École nationale supérieure des beaux-arts de Lyon : Antipsychiatrie et violence institutionnelle

17 juin 2019
Jean-Jacques Lebel (artiste) et Élise Grandgeorge (doctorante en histoire de l’art contemporain, université Paris Nanterre) : Rencontre avec Jean-Jacques Lebel autour de la projection du film Monument à Félix Guattari (1995), 90’, réalisé par François Pain, sur une idée de Jean-Jacques Lebel

19 juin 2019
François Pain (réalisateur) : Rencontre avec François Pain autour de la projection du film François Tosquelles : Une politique de la folie (1989), 54’, réalisé par François Pain
21 juin 2019
Projection-rencontre : la non-psychiatrie en Suisse. Autour du Collectif de recherche pédagogique et psychanalytique (fondé en 1974)

24 juin 2019
Dora García (artiste) et Montserrat Rodríguez (psychanalyste) : L’exil anonyme, l’anonyme exilé. Dora García et Montserrat Rodríguez, en con-férence

25 juin 2019
Alfredo Aracil (chercheur et commissaire indépendant) : Performativité et performance
Séance en anglais

Ateliers créatifs :

19 avril 2019
Sur une idée de Jean Guiet, comédien et directeur du Laboratoire théâtral des trous de mémoire, Corbeil-Essonnes : Délocalisation poétique du Groupe d’Entraide Mutuelle Café Curieu.

6 et 7 mai 2019
Marc Bellini (enseignant à l’École nationale supérieure des Arts Décoratifs de Paris) : Atelier dessin et médias, 10h - 20h.

14 mai 2019
Catherine Vallon (comédienne et réalisatrice, La Borde puis Ville-Évrard) :  Atelier théâtre

Workshop :

25 juin 2019
Workshop « Créer une nouvelle communauté » avec Florencia Rodríguez Giles (artiste)
INHA, Salle Roberto Longhi, 13H - 17H

Performance :

26 juin 2019
Performance de Florencia Rodríguez Giles (artiste)
INHA, Rotonde et galerie Colbert, 12H - 18H
Entrée libre

Projection de vidéos et de films :

Du 15 mars au 4 mai 2019 (Interruption du 8 au 14 avril), INHA, salle Longhi.

Les propositions théoriques et les approches thérapeutiques alternatives que développent les psychiatries contestataires des années 1950 à 1970 suscitent une importante production de films et de vidéos. Le corpus présenté rassemble des documentaires, pour certains rarement montrés, sur et avec quelques-uns des principaux acteurs des psychiatries alternatives de l’époque. À cela s’ajoute les propositions d’artistes (David Lamelas, Dora García) et de musiciens (Lydia Lunch, SPK) qui ont mobilisé au sein de leurs pratiques visuelles et sonores des thématiques en lien avec les courants de pensée associés à ces formes de psychiatries radicales.

Exposition :

« AntipsychiARTrie. Des liens entre art et antipsychiatrie de 1960 à nos jours ».
Du 16 mai au 29 juin 2019, INHA, salle Longhi.
Dans le cadre de sa résidence INHALab, ATHAMAS inaugure le 16 mai prochain son exposition consacrée aux liens entre art et antipsychiatrie de 1960 à nos jours. Sans nier l’importance des productions de l’art brut et des pratiques de l’art-thérapie, l’exposition se concentre sur la manière dont les artistes se sont appropriés les propositions théoriques et les pratiques révolutionnaires de ces nouvelles psychiatries. Un dispositif chronologique autour de moments clés a été privilégié afin de rendre compte de la complexité et de la profusion des relations entre les contestations psychiatriques et les productions artistiques et culturelles.

Le public découvrira une riche sélection de documents d’archives en dialogue avec des œuvres reproduites de Carolee Schneemann, Stuart Brisley, Robert Morris, Lygia Clark, Dora García, pour ne citer que quelques exemples. L’occasion de découvrir également une projection des œuvres de Mary Barnes très rarement montrées en France et sélectionnées pour l’occasion par son ancien thérapeute Joe Berke.

Dans le cadre de l'exposition :

- Performances le 15 mai, INHA, Rotonde et salle Roberto Longhi, à partir de 18h avec Joël Hubaut, Pascale Ciapp, Rémi Voche et Natalia Jaime-Corte.
- Projections-rencontres 27 mai, INHA, salle Roberto Longhi, 18h-20h : 'Un petit peuple qui va là-bas' (2018), 60’, réalisation Catherine Vallon, en présence de Catherine Vallon.
- Projection le 3 juin, INHA, salle Roberto Longhi, 18h-20h : 'Hors les Murs 3' (1985), 51’, réalisation Abraham Ségal, en présence d’Abraham Ségal.

Playlist (douche sonore) :

INHA, Hall Rose Valland.
Une sélection qui rassemble des compositions musicales pensées par l’un des théoriciens de l’antipsychiatrie au Royaume-Uni, Ronald David Laing (1927-1989), ainsi que par des groupes de musique industrielle – SPK et Nocturnal Emissions, notamment – qui condamnent, sans équivoque, les formes répressives des conditions de vie des patients en milieu psychiatrique par l’emploi du choc sonore et visuel. À cela s’ajoute le morceau « Knots » composé par le groupe de rock progressif Gentle Giant à partir de l’ouvrage éponyme de Laing, ainsi que certains titres des projets Clock DVA et T.A.G.C., mettant au jour les techniques de conditionnement psychique exploitées dans les domaines psychiatriques et militaires.

Source : https://www.inha.fr/fr/recherche/programmation-scientifique/en-2018-2019/inhalab-association-athamas.html

Ciné-concert post-industriel
Projection du film Le Vertige du progrès (Sprengbagger 1010),
de Carl Ludwig Achaz-Duisberg, 1929
Accompagnement sonore par :
Cent Ans de Solitude et Flint Glass

Ciné-concert with Cent ans de Solitude & Flint Glass, on "Sprengbagger 1010" silent movie from 1929.
(english below)

Le Vertige du progrès (Sprengbagger 1010) :
Durée : 1h30

Synopsis
« Un ingénieur met au point une gigantesque excavatrice, permettant d'extraire d'énormes quantités de lignite en un temps record. Peu avant l’achèvement de son engin, il s’octroie des vacances à la campagne dans sa région natale. Dans ces terres reculées, il découvre un gisement de lignite et décide d'y déployer sa machine, qui commence aussitôt son œuvre destructrice... »

Le tournage d’un des derniers films muets allemands s’est déroulé à l’été 1929 dans une mine de lignite à ciel ouvert dans l’ouest de la Saxe. Le site industriel « Leuna » offre un décor imposant à un mélodrame plongé dans le conflit entre nature et technique. La distribution réunit des grands noms du film muet allemand, dont la star de Metropolis, Heinrich George.


Cent Ans de Solitude :
Créé au milieu des années 1980 par Jean-Yves Millet, Cent Ans de Solitude est un projet de musique industrielle basé à Tours. L’artiste français détourne des outils issus de l’industrie lourde dans ses productions sonores et visuelles : des ressorts de traction, des rouages industriels, ainsi que des boulons et des barres de fer sont autant d’éléments amplifiés sur scène par des micros conçus par l’artiste. Les renvois perpétuels au cinéma constructiviste viennent enrichir l’esthétique de Cent Ans de Solitude, proposant ici d’accompagner l’univers industriel du film Le Vertige du progrès, aux côtés de Flint Glass, projet de Gwenn Trémorin.

https://centansdesolitude.bandcamp.com/
https://www.youtube.com/watch?v=Ib9EU8AhW7A


Flint Glass :
L'œuvre de Flint Glass, créée en 1999 par l’artiste Gwenn Trémorin, propose une musique « électro-industrielle, à la fois ambiante et rythmique, inspirée par les romans dystopiques de l'écrivain H.P. Lovecraft ». Outre de nombreuses collaborations que l’artiste a mené avec son projet parallèle Tzolk'in, ainsi que son récent travail avec Collapsar pour l’album Deus Irae, Flint Glass a également participé aux concerts de Brighter Death Now, avec Roger Karmanik, fondateur du label Cold Meat Industry.

http://www.flint-glass.fr/
https://www.youtube.com/watch?v=sqjKoKRX90k

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La projection et le concert seront précédés d’une présentation du film et des projets musicaux.

Intervenants :
Jean-Yves Millet (Cent Ans de Solitude)
Gwenn Trémorin (Flint Glass)
Dimitri Vezyroglou (université Paris 1 Panthéon-Sorbonne)
Nicolas Ballet (université Paris 1 Panthéon-Sorbonne / INHA)

Présentation de la séance : 18h
Début de la projection : 18h30
Entrée libre

Le 16 septembre 2016
Institut national d’histoire de l’art
Auditorium de la galerie Colbert
2, rue Vivienne 75002 Paris
Métro Bourse (ligne 3) ou Palais Royal (ligne 1, 7)

http://www.inha.fr/fr/agenda/parcourir-par-annee/en-2016/agenda-de-l-inha/cine-concert-post-industriel-le-vertige-du-progres-avec-cent-ans-de-solitude-et-flint-glass.html

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Organisation : Nicolas Ballet
Grâce au soutien de l’ED 441 (École Doctorale, Histoire de l'art - Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne)

Artwork de l’affiche : Pole Ka

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Ciné-concert with Cent Ans de Solitude & Flint Glass, on "Sprengbagger 1010" silent movie from 1929.

Sprengbagger 1010
Synopsis:
“The engineer Karl Hartmann invents a new, gigantic brown coal excavator. He discovers that there are large deposits below his home country and decides to use the excavator there”.

Cent Ans de Solitude:
“Created in the middle of the 1980s by Jean-Yves Millet, Cent Ans de Solitude is a one man musical project, formerly based in Tours. Jean-Yves Millet uses pre-recorded electronic layers and sounds, adding some acoustic elements: live manipulations of bastardized objects from their original function, such as scratched metal, hit stone and misused springs”.

https://centansdesolitude.bandcamp.com/
https://www.youtube.com/watch?v=Ib9EU8AhW7A

Flint Glass:
“Flint Glass is the one man project of Gwenn Trémorin, formed in 1999, and was also founding member of experimental electronica label Brume records. Inspired by fantastic and dystopian literature, Gwenn Trémorin recently created a truly spine chilling and atmospheric soundtrack for the fantastic horror movie Fragment1890, a H.P. Lovecraft inspired movie”.

http://www.flint-glass.fr/
https://www.youtube.com/watch?v=sqjKoKRX90k

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Screening of the film and concert will be preceded by a discussion with Jean-Yves Millet (Cent Ans de Solitude), Gwenn Trémorin (Flint Glass), Dimitri Vezyroglou (université Paris 1 Panthéon-Sorbonne), and Nicolas Ballet (université Paris 1 Panthéon-Sorbonne / INHA).

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Opening: 18 pm
Screening of the film: 18:30 pm
Free admission

September 16th
Institut national d’histoire de l’art
Auditorium de la galerie Colbert
2, rue Vivienne 75002 Paris
Metro: Bourse (3), or Palais Royal (1, 7)

http://www.inha.fr/fr/agenda/parcourir-par-annee/en-2016/agenda-de-l-inha/cine-concert-post-industriel-le-vertige-du-progres-avec-cent-ans-de-solitude-et-flint-glass.html

Projection des films expérimentaux de Marian Wallace et de son documentaire Artists of the Industrial Scene, en présence de la réalisatrice et de l’éditeur V. Vale (RE/Search Publications), Les Voûtes, Paris, 27 mai 2016.

Programme :
- W.S. Burroughs on the Human Condition (8:00, 2007, digital)
- Ephemerality (4:00, 1979, 16mm)
- Project Y (10:00, 1983, 16mm)
- Live Better Electrically (2:30, 1982, 16mm)
- Words of Wisdom with W.S. Burroughs (4:30, 2015, digital)
- Artists of the Industrial Scene (51:00, 2006, digital)
- SRL at the Lab (1:18, 2001, digital)

Résumé :
La culture visuelle des musiques industrielles fonctionne dès le milieu des années 1970 comme une plateforme d’échange entre les arts (graphisme, musique, performance, vidéo). Certains groupes de musique industrielle, des performers et des musiciens, s’approprient les pratiques du cut-up et du sampling afin d’intégrer des éléments subliminaux et bruitistes dans leurs productions (musique, film et vidéo). Les productions et concerts de ces artistes constituent une forme d’humour noir, documenté par le fanzine 'Industrial Culture Handbook', publié par RE/Search. Le documentaire Artists of the Industrial Scene de Marian Wallace interroge ce mouvement, présenté par V. Vale et par une série d’entretiens avec Mark Pauline (SRL), Johanna Went (artiste de la performance), Genesis P-Orridge (Throbbing Gristle et Psychic TV), Jerry Casale (DEVO) et d'autres artistes de la même scène, témoignant d’une culture visuelle foisonnante. Ce court-métrage (51 min) est accompagné de la projection de films expérimentaux, des années 1970 à nos jours, conçus par Marian Wallace avec une pratique artistique singulière (altération du film, sons expérimentaux, récit décalé).

Un fanzine conçu par RE/Search Publications a été publié à cette occasion. Il s'agit des entretiens avec les différents artistes du documentaire Artists of the Industrial Scene. Édition bilingue (anglais / français).

Organisation : Marian Wallace, V. Vale, Nicolas Ballet.

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Industrial Music and experimental films From San Francisco by Marian Wallace.

About the program:

Cut-ups, analog tape loops, celluloid and fire. W.S. Burroughs and Kurt Kren. Performance art and direct animation. These are all part of the experimental films of Marian Wallace.

In the 1970s, before today's global Noise-Music bands and festivals, a few avant-garde artists and groups began using the cut-up, sampling, subliminals, noise, musique concrète, films and video and more to provide immersive Black Humor concert experiences; documented in RE/Search's Industrial Culture Handbook. Marian Wallace's "Artists of the Industrial Scene" starts with an introduction by V. Vale and includes interviews with Mark Pauline (SRL), Johanna Went (Performance Artist), Genesis P-Orridge (Throbbing Gristle and Psychic TV), Jerry Casale (DEVO) and other ground-breaking punk/industrial/per¬formance musicians and artists. This short-feature (51 min) is surrounded by experimental films from then and now, which utilize physical celluloid-altering, unorthodox analog audio techniques, offbeat narrative, and documentation of interesting and unique events and places.

Marian Wallace and V. Vale (founder of Search & Destroy and RE/Search) appeared in person for a Q&A at the end of the program.

https://www.facebook.com/events/114343638965535/

Synopsis: Germany, 1929 – After developing the plans for a huge excavator for his coal mining company, the engineer Karl Hartmann yearns for the fresh air far from his smog-filled industrial world. He returns to the village of his childhood going back to his roots in the countryside, participating in rural life, working in his grand-mother’s mill and enjoying his free time with Camilla, the pretty girl from the nearby castle. However, his assistant, Olga Lossen, discovering the plans for his machine and recognising their importance, asks the board of directors to bring Hartmann back in order to build it. The engineer is torn apart by the two women and the two conflicting ways of life. At the very moment he has to make a choice, he discovers that the village was built on a giant coal mine. This revelation seals the fate of the whole community. The giant machine, like an apocalyptic creature begins its deadly task, swallowing up the very ground, destroying the natural environment and the castle, tearing people away from their collapsing homes and bringing death and ruin into the midst of what ought to have been an Eden.

Cent Ans de Solitude and Flint Glass offer a musical interpretation of the conflicts arising throughout the movie. The live performance consists of a mixture of their own unique approach to sounds, made up of electronic layers and including acoustic elements deriving from objects being transformed from their original functions, such as scratching metal, hitting stone or bending springs. These sounds mimic the devastating effects of the monstrous machine and the industrial world it comes from. This cinema concert immerses the viewer into a dense musical environment, backed by the melodic electronic lines which echo the cold and brutal sounds of metal.

Présentation de la séance « Post-industrial cinema-concert », projection du film Le Vertige du progrès (Sprengbagger 1010), de Carl Ludwig Achaz-Duisberg, 1929, accompagnement sonore : Cent Ans de Solitude (Jean-Yves Millet) et Flint Glass (Gwenn Trémorin), dans le cadre du Wrocław Industrial Festival | Industrial Art, Dolnośląskie Centrum Filmowe, Wrocław, 2 novembre 2017.

Présentation de la séance « Post-Punk. Cinéma et musique industrielle » avec Nicole Yip (LUX Scotland), organisé par Jonathan Pouthier & Enrico Camporesi (MNAM CCI / Film), Centre Pompidou, Paris, 2 novembre 2016.

In the Shadow of the sun, 1972.74-1980, super 8mm (transféré sur 16mm), coul, son, 50min (détail), © LUMA Conçue en collaboration avec LUX et les Archives Nationales du BFI, cette séance porte un regard singulier sur la contre-culture artistique et musicale anglaise des années 1980 en réunissant un ensemble d’œuvres liées à l'émergence d'une esthétique industrielle résolument radicale. Réalisé entre 1972 et 1975 comme une série de films super 8mm, In the Shadow of the Sun est finalisé en 1981 sur une composition originale du groupe de musique industrielle Throbbing Gristle. Figure incontournable d'un renouveau cinématographique anglais, Derek Jarman incarne à travers ses films une créativité sans limite, puisant dans l'étrange rencontre du baroque et du punk les éléments d'une révolte poétique et politique face au conservatisme d'une époque marquée par le Thatchérisme. Symptomatique du début années 1980, le nombre croissant de collaborations entre les productions visuelles expérimentales et la scène musicale post-punk et industrielle reflète un désir de subvertir les standards d'une culture de masse de plus en plus prégnante sur la société. Alors qu'une industrie du clip vidéo se développe à grand pas dans le sillon de la création de la chaîne musicale MTV en 1981, un grand nombre de labels indépendants s'attachent à faire de ce format extrêmement codifié un objet d'expérimentations et de subversions. Fondé par le groupe Cabaret Voltaire et Paul Smith en 1982, le label Doublevision, à l'honneur dans ce programme, fut l'un des promoteurs les plus influents de cette hybridation entre expérimentations visuelles et musicales. Dès 1979, l'intérêt de Cabaret Voltaire pour les arts visuels, le film et la vidéo sera par la suite suivi par un grand nombre de groupes qui leur sont affiliés-Throbbing Gristle, 23 Skidoo, CTI, The Residents, Einstürzende Neubauten ou encore Tuxedomoon –. Cette séance propose une sélection d'oeuvres visuelles et sonores distribuées par le label Doublevision, offrant ainsi un regard exclusif sur la diversité et la nature radicale de cette production.

Séance présentée par Nicole Yip (Directrice, LUX Scotland) et Nicolas Ballet (Doctorant, Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne).